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Malerei

Mona LisaMalerei ist die Praxis der Anwendung von Anstrichmittel, Pigmenten, Farbe oder einem anderen Material auf eine Oberfläche (Farbträger). Das Material wird gewöhnlich mit einem  Pinsel  auf eine Basis angewendet, doch andere Geräte, wie beispielsweise Spachtel, Schwämme und Airbrush können eingesetzt werden. In der Kunst bezeichnet der englische Begriff “Painting” (Malen/Gemälde) sowohl die Aktion als auch das Ergebnis der Aktion. Der Begriff Malerei wird jedoch auch außerhalb der Kunst als ein übliches Handwerk unter Handwerkern und Bauherren verwendet. Gemälde können auf Oberflächen wie Wänden, Papier, Leinwänden, Holz, Glas, Lacke, Ton, Blätter, Kupfer  oder Beton aufgetragen werden und können mehrere andere Materialien, wie beispielsweise Sand, Lehm, Papier, Blattgold sowie auch Objekte enthalten.

Malerei ist eine Art des kreativen Ausdrucks und die Formen sind zahlreich. Zeichnung, Komposition   oder Abstraktion und andere ästhetische Formen können dazu dienen, die expressive und konzeptionelle Absicht des Fachmannes zu manifestieren. Gemälde können naturalistisch und gegenständlich (wie in einem Stillleben oder Landschaftsmalerei), fotografisch, abstrakt, gefüllt mit erzählerischem Inhalt,  Symbolik, Emotion oder  politischer  Natur sein.

Ein Teil der Geschichte der Malerei sowohl in der östlichen als auch der westlichen Kunst ist geprägt von spirituellen  Motiven und Gedanken. Beispiele dieser Art der Malerei reichen Kunstwerken mit mythologischen Figuren auf Keramik bis hin zu biblischen Szenen auf Innenwänden und der Decke der Sixtinischen Kapelle oder Szenen aus dem Leben des Buddha oder andere Bilder von östlich-religiösem Ursprung.

Elemente

Intensität

Chen HongshouDie Malerei ist durch Wahrnehmung und Darstellung der Intensität möglich. Jeder Punkt im Raum hat eine unterschiedliche Intensität, die in der Malerei durch Schwarz und Weiß und all den Grauschattierungen dazwischen dargestellt werden kann. In der Praxis können Maler Formen durch Nebeneinanderstellen von Oberflächen mit unterschiedlicher Intensität artikulieren. Das reine Verwenden von Farbe (der gleichen Intensität) kann nur symbolische Formen darstellen. Somit unterscheiden sich die grundlegenden Methoden der Malerei von ideologischen Methoden, wie beispielsweise geometrische Figuren, verschiedene Sichtweisen und Organisationen (Perspektive) und Symbole.  Beispielsweise nimmt ein Maler wahr, dass eine bestimmte weiße Wand an jedem Punkt eine unterschiedliche Intensität hat und zwar aufgrund von Schattierungen und Reflexionen von nahe stehenden Objekten, aber bildlich bleibt eine weiße Wand auch noch in völliger Dunkelheit eine weiße Wand.  In technischen Zeichnungen ist die Dicke der Linie ebenfalls vorbildlich und grenzt optimale Umrisse eines Objektes innerhalb einer Wahrnehmungsweise ein, die sich von den von verwendeten Malern unterscheidet.

Farbe und Ton

Farbe und Ton sind die Essenz der Malerei wie Tonhöhe und Rhythmus in der Musik. Farbe ist sehr subjektiv, hat jedoch beobachtbare psychologische Effekte, auch wenn diese von einer Kultur zur anderen sich unterscheiden können. Während im Westen Trauer mit schwarz verbunden wird, verbindet man diese im Osten mit weiß. Einige Maler, Theoretiker, Schriftsteller und Wissenschaftler, darunter Goethe, Kandinsky und Newton haben ihre eigene Farbenlehre geschrieben.  Darüber hinaus ist die Verwendung von Sprache nur eine Verallgemeinerung für ein Farbentsprechung. Das Wort “Rot” kann beispielsweise eine breite Palette von Variationen des reinen Rots des sichtbaren Spektrums des Lichtes abdecken. Es gibt keine formalisierten Register der verschiedenen Farben in der Art, wie es eine Übereinstimmung über verschiedene Töne in der Musik gibt, wie beispielsweise C oder Cis in der Musik.  Für einen Maler wird Farbe nicht einfach in grundlegende und abgeleitete (komplementäre oder gemischte) Farben (wie rot, blau, grün, braun, etc.) unterteilt.

Maler arbeiten praktisch mit Pigmenten, daher kann “blau” für einen Maler jedes Blau sein: Phthalocyaninblau, Pariserblau, Indigo, Kobalt, Ultramarin und so weiter. Psychologische, symbolische Bedeutungen der Farben sind streng genommen keine Methoden der Malerei. Farben fügen dem Potenzial nur einen abgeleiteten Zusammenhang von Bedeutungen hinzu und daher ist die Wahrnehmung eines Bildes sehr subjektiv. Die Analogie mit Musik ist ganz eindeutig. Der Klang in der Musik (wie “C”) ist analog mit dem Licht in der Malerei, “Schatten” mit Dynamik und Kolorierung ist in der Malerei so spezifische wie Klangfarbe der Musikinstrumente, wenn diese nicht unbedingt eine Melodie bilden, können diese unterschiedlichen Zusammenhänge hinzuzufügen.

Nicht-traditionelle Elemente

Georges SeuratModerne Künstler haben die Praxis der Malerei wesentlich erweitert, so umfasst es beispielsweise Collagen, die mit Kubismus begannen und im engeren Sinne keine Malerei ist.  Einige moderne Maler integrieren verschiedene Materialien wie beispielsweise Sand, Zement, Stroh oder Holz für ihre Textur.  Beispiele hierfür sind die Arbeiten von Jean Dubuffet und Anselm Kiefer.  Es gibt eine wachsende Künstlergemeinschaft, die mit Computern Farbe auf eine digitale Leinwand malen und hierzu Programme wie Adobe Photoshop, Corel Painter und viele andere verwenden.  Diese Bilder können bei Bedarf auf traditionelle Leinwände gedruckt werden.

Rhythmus

Rhythmus ist sowohl in der Malerei als auch in der Musik von Bedeutung. Wenn ein Rhythmus als “eine in eine Sequenz eingebaute Pause” definiert wird, dann kann es Rhythmus in Gemälden geben. Diese Pausen ermöglichen kreative Kraft zu intervenieren und neue Kreationen, Form, Melodie und Kolorierung hinzuzufügen. Die Verteilung der Form oder jede Art der Information ist von entscheidender Bedeutung in dem gegebenen Kunstwerk und es beeinflusst direkt den ästhetischen Wert dieser Arbeit. Das kommt daher, dass der ästhetische Wert funktional abhängig ist, das heißt die Freiheit (der Bewegung) der Wahrnehmung wird als Schönheit wahrgenommen. Freier Energiefluss in der Kunst sowie auch in anderen Formen der “Technik” trägt direkt zum ästhetischen Wert bei.

Geschichte

LascauxDie ältesten bekannten Gemälde befinden sich in der  Grotte Chauvet in Frankreich, behaupten einige Historiker, und sind etwa 32.000 Jahre alt. Sie sind in Stein gehauen und mit rotem Ocker und schwarzem Pigment bemalt und zeigen Pferde,  Nashörner, Löwen, Büffel, Mammuts und abstrakte Muster, die möglicherweise Teile von menschlichen Figuren darstellen. Doch die frühesten Zeugnisse von Gemälden wurden in zwei Höhlen entdeckt, in Arnhemland, das im Norden Australiens liegt. Die unterste Schicht von Material an diesen Stellen zeigt dort verwendete Stücke mit Ocker, die schätzungsweise 60.000 Jahre alt sind. Archäologen haben auch ein gut erhaltenes Fragment von Felsmalereien in einer Kalkstein-Höhle in der Region von Kimberley, Nord-West-Australien gefunden, das ca. 40 000 Jahre alt ist. Es gibt Beispiele von Höhlenmalereien in der ganzen Welt in Indien, Frankreich, Spanien, Portugal, China, Australien usw.

In westlichen Kulturen haben Ölmalereien und Aquarelle eine reiche und komplexe Tradition in Stil und Thematik. Im Osten überwiegen historisch Tinten und Farbtinten in der Auswahl von Materialien, mit ebenso reichen und komplexen Traditionen.

Die Erfindung der Fotografie hatte einen großen Einfluss auf die Malerei. In den Jahrzehnten nach dem ersten Foto, das 1829 aufgenommen wurde, haben sich die Verfahren in der Fotografie wesentlich verbessert, verbreiteten sich immer weiter und beraubten die Malerei um ihren historischen Zweck, eine genaue Aufzeichnung der beobachtbaren Welt zu bieten. Eine Reihe von künstlerischen Bewegungen im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert – insbesondere der Impressionismus, Post-Impressionismus, Fauvismus, Expressionismus,  Kubismus und der Dadaismus – forderten die Weltsicht in der Renaissance heraus. Die Malerei im Osten und in Afrika jedoch, setzte ihre lange Geschichte der Stilisierung fort und durchlief keine äquivalente Transformation zur gleichen Zeit.

Die moderne und zeitgenössische Kunst hat sich von der historischen Bedeutung des Handwerks und der Dokumentation zugunsten der Konzepte bewegt. Dies verleitete einige in den 1960er Jahren dazu, zu sagen, dass die Malerei als ernsthafte Kunstform tot sei. Dies hat die Mehrheit der lebenden Maler nicht abgeschreckt, ihre Malerei, entweder als Teil oder als Gesamtwerk ihrer Arbeit zu praktizieren. Die Vitalität und Vielseitigkeit der Malerei im 21. Jahrhundert widerlegt die vorzeitigen Erklärungen zu ihrem Untergang. In einer Epoche, die von der Idee des Pluralismus gekennzeichnet war, gab es keinen Konsens zu einem repräsentativen Stil der Zeit. Wichtige Werke werden weiterhin in einer Vielzahl von Stilen und ästhetischen Temperamenten erstellt, wobei dem Markt überlassen wird, die Verdienste zu beurteilen.

Unter den fortlaufenden Strömungen in der Malerei zu Beginn des 21. Jahrhunderts befinden sich Monochrome Malerei, Hard-Edge Malerei, Geometrische Abstraktion, Appropriation, Hyperrealismus,Photorealismus, Expressionismus, Minimalismus, Lyrische Abstraktion, Pop Art, Op Art, Abstrakter Expressionismus, Farbfeld-Malerei, Neo-Expressionismus, Kollagen, Intermediale Malerei, Montage-Malerei, Computer-Kunst Malerei, Postmoderne Malerei, Neo-Dadaistische Malerei, Canvas-Formen Malerei, Wand-Malereien, traditionelle Figuren-Malerei, Landschafts-Malerei, Porträt-Malerei und auf Glas gemalte Animationen.

Ästhetik und Theorie

Apelle o la PitturaDie Ästhetik ist die Lehre von Kunst und Schönheit; Ein wichtiges Thema für Philosophen des 18. und 19. Jahrhunderts wie Kant oder Hegel. Klassische Philosophen wie Plato und Aristoteles theorisierten ebenfalls über Kunst und Malerei im Besonderen; Plato missachtete Maler (ebenso wie Bildhauer) in seinem philosophischen System, er behauptete, dass die Malerei nicht die Wahrheit wiedergäbe. – Sie sei ein Abbild der Realität (ein Schatten der Welt der Ideen) und nichts anderes als ein Handwerk, ähnlich wie die Schuhmacherei oder der Eisenguss. Mit der Zeit von Leonardos Malerei wurde die Malerei zu einer engeren Darstellung der Wahrheit als die Malerei im antiken Griechenland. Leonardo da Vinci hingegen sagte, „Pittura est cousa mentale” (Malerei ist eine Sache des Geistes). Kant unterschied zwischen Schönheit und Erhabenheit und gab der Ersteren eindeutig den Vorrang. Obwohl er keinen besonderen Bezug auf die Malerei nahm, wurde dieses Konzept von Malern wie Turner und Caspar David Friedrich übernommen.

Hegel erkannte das Scheitern eines universellen Konzeptes der Schönheit und in seinem Aufsatz zur Ästhetik schrieb er, dass Malerei eine der drei „romantischen” Künste sei, zusammen mit der Poesie und der Musik, wegen ihres symbolischen, hochintellektuellen Zweckes. Zu den Malern, die theoretische Arbeiten zur Malerei geschrieben haben, gehören Kandinsky und Paul Klee. Kandinsky behauptet in seinem Essay, dass die Malerei einen spirituellen Wert hat und er ordnet denGrundfarben wesentliche Empfindungen oder Vorstellungen zu, etwas, das Goethe und andere Schriftsteller vor ihm bereits versuchten.

Die Ikonographie ist die Untersuchung des Inhalts von Gemälden, anstatt ihres Stils. Erwin Panofsky und andere Kunsthistoriker versuchen zunächst, die dargestellten Dinge zu verstehen und dann ihre Bedeutung für den Betrachter zur Zeit, um dann ihre breitere kulturelle, religiöse und soziale Bedeutung zu analysieren.

1890 behauptete der Pariser Maler Maurice Denis bekanntlich: „Denken Sie daran, dass ein Gemälde – bevor es zu einem Schlachtross, einer nackten Frau oder irgendeiner Geschichte wird, im Wesentlichen aus einer flachen Oberfläche mit Farben besteht, die in einer bestimmten Reihenfolge montiert werden.” So sind viele Entwicklungen in den Jahren des 20. Jahrhunderts, wie der Kubismus, aus Überlegungen zur Malerei entstanden, anstatt aus Reflexionen der äußeren Welt, der Natur, die zuvor deren Gegenstand war. Aktuelle Beiträge zum Nachdenken über Malerei wurden vom Maler und Schriftsteller Julian Bell angeboten. In seinem Buch Was ist Malerei? beschreibt Bell die Entwicklung durch die Geschichte und die Vorstellung, dass Bilder Gefühle und Gedanken ausdrücken können. Im Spiegel der Welt schreibt Bell:

„Ein Kunstwerk will Ihre Aufmerksamkeit halten, die Kunstgeschichte bringt es weiter und bahnt mit Bulldozern eine Autobahn durch die Häuser der Phantasie.”

Malerei Medien

Honore DaumierVerschiedene Arten von Farbe werden in der Regel von dem Medium bestimmt, auf das diese aufgetragen oder eingebettet werden und von den Verarbeitungseigenschaften der Farbe, wie Viskosität, Mischbarkeit, Löslichkeit, Trocknungszeit etc.

Öl

Die Ölmalerei ist der Prozess des Malens mit Pigmenten, die mit einem Medium zur  Öltrocknung verbunden werden und das war vor allem in der frühen Neuzeit in Europa das Leinöl. Oft wird ein Öl wie Leinöl mit einem Harz wie Kiefernharz oder gar Weihrauch aufgekocht, diese werden dann „Lacke” genannt und wegen ihres Körpers und Glanzes geschätzt. Ölfarbe wurde schließlich das wichtigste Medium für die Erschaffung von Kunstwerken, als ihre Vorteile allgemein bekannt wurden. Der Übergang begann mit der altniederländischen Malerei in Nordeuropa, und durch die Höhepunkte der Renaissance-Technik ersetzte die Ölmalerei fast vollständig die Tempera-Farben im größten Anteil von Europa.

Pastellfarben

Pastell ist ein Malerei-Medium in der Form eines Stiftes aus reinem pulverförmigem Pigment und einem Bindemittel. Die Pigmente, die in Pastellfarben verwendet werden, sind die gleichen wie diejenigen, die verwendet werden, um alle farbigen Kunst-Medien zu produzieren, einschließlich Ölfarben; Das Bindemittel besteht aus einem neutralen Farbton mit geringer Sättigung. Die Farbwirkung von Pastellen ist näher an den trockenen, natürlichen Pigmenten als jedes andere Verfahren. Da die Oberfläche einer Pastellmalerei zerbrechlich ist und leicht verschmutzt, erfordert die Erhaltung Schutzmaßnahmen wie einen Rahmen unter Glas, es kann auch mit einem Fixiermittel besprüht werden. Dennoch, wenn mit festen Pigmenten gearbeitet wurde und das Werk richtig gepflegt wird, kann sich eine Pastellmalerei über Jahrhunderte unverändert halten. Pastelle sind nicht anfällig für Risse und Verfärbungen, wie Gemälde, die mit einem flüssigen Medium gemacht werden und aus Veränderungen in der Farbe, Deckkraft oder den Abmessungen des Mediums entstehen, wenn es trocknet.

Acryl

Die Acrylfarbe  ist eine schnell trocknende Farbe, die eine Pigmentsuspension einer Acryl-Polymer-Emulsion enthält. Acrylfarben können mit Wasser verdünnt werden, werden aber wasserabweisend, wenn sie trocknen. Je nachdem, wie sehr die Farbe (mit Wasser) verdünnt oder mit Acryl-Gel, Medien oder Pasten modifiziert wird, kann das fertige Acrylgemälte einem Aquarell oder einem Ölgemälde ähneln, oder es entwickelt seine eigenen einzigartigen Eigenschaften, die von anderen Medien unerreichbar sind. Der wichtigste praktische Unterschied zwischen den meisten Acryl- und Ölfarben ist die inhärente Trocknungszeit. Öle geben mehr Zeit, um die Farben zu mischen und haben einen gleichmäßigen Glanz auf grundierten Oberflächen.. Dieser langsame Trocknungsaspekt von Öl kann als Vorteil für bestimmte Techniken gesehen werden, aber in anderer Hinsicht behindert er den Künstler, der versucht, schnell zu arbeiten.

Aquarell

Aquarell ist eine Malerei, bei der die Farben aus Pigmenten bestehen, die über einen wasserlöslichen Träger verteilt werden. Die traditionelle und häufigste Unterlage für Aquarellmalerei ist Papier; andere Träger sind Papyrus , Rindenpapiere, Kunststoffe, Pergament oder  Leder, Stoff, Holz und Leinwand. In Ostasien wird Aquarellmalerei mit Tinte Pinselmalerei oder Rollbild genannt. In der chinesesischen, koreanischen und japanischen Malerei war es das dominierende Medium, oft in einfarbig schwarz oder braun. Indien, Äthiopien und auch andere Länder haben darin eine lange Tradition. Die Finger-Malerei mit Aquarellfarben entstand in China.

Tinte

Tinten-Gemälde werden mit einer fertigen Flüssigkeit erstellt, die Pigmente und/oder Farbstoffe enthält, die verwendet werden, um auf einer Oberfläche Farbe aufzubringen, um ein Bild,einen Text oder ein Design zu erzeugen. Die Tinte für das Zeichnen wird mit einem Stift, Pinsel oder einem Federkiel aufgetragen. Tinte kann ein komplexes Medium sein, bestehend aus Lösungsmittel, Pigmenten, Farbstoffen, Harzen, Schmierstoffen, Lösungsvermittlern,  Tensiden, Feinstaub, Fluoreszenzmitteln und anderen Materialien. Die Komponenten von Tinten können viele Zwecke erfüllen; der Träger der Tinte, die Farbstoffe und andere Additive kontrollieren den Fluss und die Dicke der Tinte und somit das Aussehen im getrockneten Zustand.

Heißes Wachs

Die Enkaustik-Malerei, auch als Heißwachs-Malerei bekannt, beinhaltet die Verwendung von erhitztem Bienenwachs, dem farbige Pigmente zugegeben werden. Die Flüssigkeit/Paste wird dann auf eine Oberfläche gebracht – in der Regel aus aufbereitetem Holz, obwohl Leinwand und andere Materialien häufig verwendet werden. Die einfachste Enkaustik-Mischung wird durch Zugabe von Pigmenten zu Bienenwachs gemacht, aber es gibt einige andere Rezepte, die verwendet werden, einige davon enthalten Wachse, Dammarharz, Leinöl oder auch andere Inhaltsstoffe. Reine pulverförmige Pigmente können gekauft und verwendet werden, obwohl einige Mischungen Ölfarben oder andere Formen von Pigmenten verwenden. Metallwerkzeuge und spezielle Pinsel können verwendet werden, um den Lack zu formen, bevor er abkühlt oder heiße Metallwerkzeuge können verwendet werden, um das Wachs zu bearbeiten, sobald es auf der Oberfläche abgekühlt ist. Andere Materialien können ummantelt oder kollagiert auf die Oberfläche gebracht oder geschichtet werden, indem das Enkaustik-Medium verwendet wird, damit diese auf der Oberfläche haften.

Fresken

FerapontovEin Fresko  ist eine von vielen verwandten Arten der Wandmalerei auf Putz an Wänden oder Decken. Das Wort Fresko kommt vom italienischen Wort Affresco [Affres ː ko] einer lateinischen Ableitung für „frisch”. Fresken wurden oft während der Renaissance und anderen frühen Zeiten gemacht. Die Buon Fresko -Technik besteht aus der Malerei mit Pigmenten, vermischt mit Wasser auf einer dünnen Schicht aus nassem, frischem Kalkmörtel oder Putz, für den das italienische Wort für Putz, intonaco, verwendet wird. A secco -Gemälde, werden dagegen auf trockenem Gips gemalt (secco bedeutet „trocken” in italienischer Sprache). Die Pigmente erfordern ein Bindemedium, wie Ei (Tempera), Leim oder Öl, damit das Pigment an der Wand hält.

Gouache

Gouache ist eine wasserbasierte Farbe, aus Pigmenten und anderen Materialien entwickelt, um in der opaken Malerei eingesetzt zu werden. Gouache unterscheidet sich von Aquarell darin, dass die Partikel größer sind, das Verhältnis von Pigment zu Wasser stark erhöht ist und ein zusätzliches, inertes, Weißpigment wie Kreide ebenfalls vorhanden ist. Dies macht Gouache schwerer und undurchsichtiger, mit reflektierenderen Qualitäten. Wie alle wasserlöslichen Medien, wird es mit Wasser verdünnt.

Emaille

Meister von MilesevaEmaille ist die Malerei auf einem Substrat, in der Regel aus Metall, mit Fritte, einer Art Glaspulver. Mineralien in Form von Farboxiden liefern die Färbung. Nach dem Brennen bei einer Temperatur von 750-850 Grad Celsius (1380 bis 1560 Grad Fahrenheit), ist das Ergebnis eine kondensierte Laminierung von Glas und Metall. Emaillen sind traditionell für die Dekoration von wertvollen Objekten verwendet worden, wurden aber auch für andere Zwecke genutzt. Im 18. Jahrhundert genoss die Emailmalerei eine Vogue in Europa, vor allem als Medium für Porträtminiaturen. Im späten 20. Jahrhundert wurde die Technik der Emaille auf Metall als ein dauerhaftes Medium für Wandmalereien verwendet.

Sprühfarbe

Lacksprühdosen (auch Sprühfarbe genannt) sind eine Art von Farbe aus einem verschlossenen Behälter, der unter Druck steht und einen feinen Sprühnebel erzeugt, wenn der Kopf des Ventils heruntergedrückt wird. Die Sprühlackierung aus Farbdosen hinterlässt eine glatte, gleichmäßig beschichtete Oberfläche. Dosen in Standardgröße sind tragbar, kostengünstig und leicht zu verstauen. Die Sprühdosen-Grundierung  kann direkt auf blankem Metall und vielen Kunststoffen angewendet werden.

Geschwindigkeit, Tragbarkeit und Dauerhaftigkeit machen aus der Sprühfarbe ein allgemein verwendetes Medium für Graffiti. In den späten 1970er Jahren wurden die Signaturen der Straßen-Graffiti und Wandmalereien immer aufwändiger und es entwickelte sich ein einzigartiger Stil aus den Faktoren des Sprühmediums und der Geschwindigkeit, die für illegale Arbeiten erforderlich ist. Viele erkennen jetzt Graffiti und Street-Art als eine einzigartige Kunstform und für die Graffiti-Künstler werden spezielle Sprühfarben hergestellt. Eine Schablone kann verwendet werden, um die nicht zu lackierende Oberfläche zu schützen. Schablonen können als bewegliche Lettern gekauft werden, in professionell ausgeschnittenen Logos oder von Künstlern von Hand geschnitten.

Temperafarbe

Tempera, auch als Ei-Tempera bekannt, ist ein dauerhaftes, schnell trocknendes Material aus farbigen Pigmenten, gemischt mit einem wasserlöslichen Bindemittel (üblicherweise ein klebriges Material, wie Eigelb oder einer anderen Größe). Tempera bezieht sich auch auf die Bilder, die mit diesem Medium gemalt werden. Tempera-Gemälde sind sehr langlebig, und es existieren noch Beispiele aus den ersten nachchristlichen Jahrhunderten. Eitempera war eine primäre Methode der Malerei bis nach 1500, bis sie durch die Erfindung der Ölmalerei abgelöst wurde. Eine Farbe, die gemeinhin als Tempera bezeichnet wird (obwohl sie es nicht ist), besteht aus Pigment und einer Leimgröße und wird häufig von einigen Herstellern in Amerika als Plakatfarbe verwendet.

Wassermischbare Ölfarbe

Wassermischbare Ölfarben (auch als „wasserlöslich” oder mit „Wasser mischbar” bezeichnet) sind eine moderne Vielzahl von Ölfarben, die entwickelt wurden, um verdünnt und mit gereinigtem Wasser, anstatt mit Chemikalien wie Terpentin gelöst zu werden. Sie können mit den gleichen Techniken wie herkömmliche Ölfarben gemischt und aufgetragen werden, aber noch feucht effektiv von Pinseln, Paletten und Lumpen mit normalem Seifenwasser entfernt werden. Ihre Wasserlöslichkeit kommt aus der Verwendung eines  Ölmediums, in dem ein Ende des  Moleküls verändert wurde, um sich lose mit den Wassermolekülen zu binden, wie in einer Lösung.

Kunststile

Stil wird in zwei Bedeutungen verwendet: Er kann sich auf markante visuelle Elemente, Techniken und Methoden beziehen, die typisch für Einzelne Werke des Künstlers sind. Er kann sich auch auf die Bewegungen oder die Schule beziehen, der ein Künstler zugeordnet ist. Dieser kann von einer tatsächlichen Gruppe, in die der Künstler bewusst mit einbezogen ist oder von einer Kategorie, in der Kunsthistoriker den Maler eingeordnet haben, stammen. Das Wort „Stil” im letzteren Sinne ist bei akademischen Diskussionen über zeitgenössische Malerei in Ungnade gefallen, obwohl es in populären Kontexten weiterhin verwendet wird. Zu solchen Bewegungen oder Klassifizierungen gehören die folgenden:

Im Westen

Moderne

Die Moderne beschreibt sowohl eine Reihe von kulturellen Tendenzen als auch eine Reihe von assoziierten kulturellen Bewegungen, ursprünglich aus breit angelegten und weitreichenden Veränderungen in der westlichen Gesellschaft des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts. Die Moderne war eine Revolte gegen die konservativen Werte des Realismus. Der Begriff umfasst die Aktivitäten und Ergebnisse derer, die die „traditionellen” Formen der Kunst, Architektur, Literatur, des religiösen Glaubens, der sozialen Organisation und des täglichen Lebens in den neuen wirtschaftlichen, sozialen und politischen Bedingungen einer sich abzeichnenden voll industrialisierten Welt als überholt empfanden. Ein hervorstechendes Merkmal der Moderne ist das Selbstbewusstsein. Dies führte oft zu Experimenten mit Formen und zu Arbeiten, die die Aufmerksamkeit auf Verfahren und Materialien zog (und auf eine weitere Tendenz der Abstraktion).

Impressionismus

Das erste Beispiel der Moderne in der Malerei war der Impressionismus, eine Schule der Malerei, die zunächst auf die Ausführung der Arbeit konzentrierte, nicht im Studio sondern im Freien (en plein air). Impressionistische Gemälde zeigten, dass die Menschen nicht die Objekte sehen, sondern das Licht selbst. Die Schule versammelte trotz interner Spaltungen Anhänger unter seinen führenden Vertretern und gewann an Einfluss. Zunächst abgelehnt von einer der seinerzeit wichtigsten kommerziellen Ausstellungen, dem von der Regierung geförderten Pariser Salon, organisierten die Impressionisten jährliche Gruppenausstellungen in kommerziellen Veranstaltungen während der 1870er und 1880er Jahre, die zeitlich genau mit dem offiziellen Salon zusammenfielen. Ein bedeutendes Ereignis des Jahres 1863 war der Salon des Refusés, erschaffen von Kaiser Napoleon III, in dem alle Gemälde ausgestellt wurden, die vom Pariser Salon abgelehnt wurden.

Abstrakte Kunststile

Die Abstrakte Malerei verwendet eine Bildsprache in Form, Farbe und Linie, eine Zusammensetzung, die mit einem Maß an Unabhängigkeit von visuellen Referenzen in der Welt existieren kann.[19]  Der Abstrakte Expressionismus war eine amerikanische  Kunstbewegung nach dem 2. Weltkrieg, die aus einer Kombination der emotionalen Intensität und Selbstverleugnung der deutschen Expressionisten und der anti-figurativen Ästhetik der europäischen abstrakten Schulen, wie dem Futurismus, bestand. Der Bauhaus-Stil, der synthetische Kubismus und das Bild des rebellischen, anarchischen, höchst eigenwilligen Seins gibt einigen das Gefühl von Nihilismus.

Action Painting, Manchmal auch als „gestische Abstraktion” bezeichnet, ist ein Stil der Malerei, in der Farbe spontan gedribbelt, gespritzt oder verschmiert auf die Leinwand gebracht anstatt sorgfältig angewendet wird.[21]. Die daraus resultierende Arbeit betont oft den physischen Akt des Malens selbst als einen wesentlichen Aspekt der fertigen Arbeit oder des Anliegens seines Künstlers. Der Stil war in den 1940er bis in die frühen 1960er Jahre weit verbreitet und ist eng verbunden mit dem abstrakten Expressionismus (einige Kritiker verwenden die Begriffe „Action Painting” und „abstrakter Expressionismus” als austauschbare Begriffe).

Andere Stile der Moderne umfassen:

  • Expressionismus
  • Kubismus
  • Pop-Art

Andere Kunststile

Außenseiter -Kunst

Der Begriff Außenseiter-Kunst wurde 1972 vom Kunstkritiker Roger Cardinal geprägt, als  englisches  Synonym für Art Brut ( Französisch:  [Aʁ bʁyt] , „Rohe oder grobe Kunst”), ein Label, geschaffen vom französischen Künstler Jean Dubuffet, zur Beschreibung von Kunst, die außerhalb der Grenzen der offiziellen Kultur geschaffen wird; Dubuffet fokussiert vor allem auf Kunst von Insassen aus Nervenheilanstalten. Außenseiter-Kunst hat sich als erfolgreiche Kunstmarketing-Kategorie herausgestellt (eine jährliche Messe zur Außenseiter-Kunst gibt es in New York seit 1992). Der Begriff wird manchmal als Catch-All Marketing-Label für die Kunst von Menschen außerhalb der Mainstream-„Kunstwelt” falsch verstanden, wenn weder Situation noch Inhalt ihrer Arbeiten berücksichtigt werden.

Fotorealismus

Der Fotorealismus ist das Genre der Malerei unter Verwendung von Kamera und Fotos zur Sammlung von Informationen für ein Gemälde, das sehr realistisch erscheint, wie ein Foto. Dieser Begriff wird vor allem auf Gemälde aus der Kunstbewegung der Vereinigten Staaten angewendet, die in den späten 1960er und frühen 1970er Jahren begann. Als vollwertige Kunstbewegung entwickelte sich der Fotorealismus aus der Pop Art, als Gegenstück zum abstrakten Expressionismus.

Der Hyperrealismus  ist ein Genre aus Malerei und Skulptur mit hochauflösenden Fotos. Der Hyperrealismus ist eine vollwertige Schule der Kunst und kann durch die verwendeten Verfahren für die Erschaffung von Gemälden oder Skulpturen als Weiterentwicklung des Fotorealismus angesehen werden. Der Begriff wird vor allem auf eine unabhängige Kunstbewegung und deren Stil in den Vereinigten Staaten und Europa angewendet, die sich seit den frühen 2000er Jahren entwickelt hat.

Surrealismus

Der Surrealismus ist eine kulturelle Bewegung, die in den frühen 1920er Jahren begann, und am besten bekannt ist für die visuellen Kunstwerke und Schriften der Mitglieder dieser Gruppe. Surrealistische Kunstwerke zeichnen das Element der Überraschung, unerwartete Gegenüberstellungen und unlogische Folgerungen, jedoch sehen viele surrealistische Künstler und Schriftsteller ihre Arbeit als Ausdruck der philosophischen Bewegung, in erster Linie mit den Werken als Artefakt. Führend war André Breton mit seiner eindeutigen Aussage, dass Surrealismus vor allem eine revolutionäre Bewegung sei.

Der Surrealismus entwickelte sich aus den dadaistischen Aktivitäten des Ersten Weltkriegs und das wichtigste Zentrum der Bewegung war Paris. In den 1920er Jahren verteilte sich die Bewegung rund um den Globus und beeinflusste schließlich auch die Bildende Kunst, Literatur, Film und Musik vieler Länder und Sprachen sowie politisches Denken und Handeln, die Philosophie  und Gesellschaftstheorien.

Idiome

Allegorie

Eine Allegorie ist ein  figürlicher Modus, der eine andere Bedeutung als die wörtliche vertritt. Eine Allegorie kommuniziert ihre Botschaft mit Hilfe von symbolischen Figuren, Handlungen oder symbolischen Darstellungen. Eine Allegorie wird in der Regel als rhetorische Figur behandelt, aber eine Allegorie muss nicht in Sprache ausgedrückt werden: Sie kann an das Auge gerichtet werden und kommt oft in der realistischen Malerei vor. Ein Beispiel für eine einfache visuelle Allegorie ist das Bild des Sensenmannes. Betrachter verstehen, dass das Bild der Sensenmannes eine symbolische Darstellung des Todes ist.

Bodegón

Bodegon de RecipientesIn der Spanischen Kunst ist ein Bodegón ein Stillleben, ein Gemälde, das Elemente aus der Speisekammer darstellt, wie Speisen, Spiele und Getränke, oft auf einer einfachen Steinplatte angeordnet und auch Gemälde mit einer oder mehreren Figuren, aber die bedeutenden Stillleben werden üblicherweise in Küchen oder Kneipen dargestellt. Seit dem Barock gewannen solche Gemälde in Spanien, im zweiten Viertel des 17. Jahrhunderts an Beliebtheit. Die Tradition des Stilllebens scheint begonnen zu haben und war weitaus beliebter in den zeitgenössischen Niederlanden, heute Belgien und den Niederlanden (dann flämische und holländische Künstler), als sie es jemals in Südeuropa war. die Stilleben in nördlichen Ländern hatten viele Unterabteilungen, wie das Frühstück, das ergänzt wurde vom Trompe-l’oeil, dem Blumenstrauß und der Vergänglichkeit. In Spanien gab es viel weniger Gönner für diese Art von Kunst, aber das Frühstück wurde zunehmend beliebter, das ein paar Gegenstände von Lebensmitteln und Geschirr, auf einem Tisch ausgelegt, darstellt.

Bodypainting

Bodypainting ist eine Form von Kunst am Körper. Im Gegensatz zur Tätowierung und anderen Formen der Kunst am Körper, ist Bodypainting vorübergehend, dabei wird auf die menschliche Haut gemalt, dies hält nur einige Stunden oder höchstens (im Fall von Mehndi oder dem „Henna-Tattoo”) ein paar Wochen. Bodypainting, das auf das Gesicht begrenzt ist, ist als Face Painting bekannt. Kleinere, detailliertere Arbeiten werden häufiger als (eine Form von) temporäre Tätowierung bezeichnet, während größere oder Ganzkörper-Bemalungen Bodypainting genannt werden.

Figurenmalerei

Die Figurenmalerei ist ein Kunstwerk auf einem der Medien, bei dem die menschliche Figur der Hauptgegenstand ist, bekleidet oder nackt. Die Figurenmalerei kann sich auch auf die Tätigkeit der Schaffung einer solchen Arbeit beziehen. Die menschliche Figur war eines der kontrastreichen Motive der Kunst seit den ersten steinzeitlichen Höhlenmalereien und wurde im Laufe Geschichte in verschiedenen Stilen umgedeutet. Einige Künstler, die gut für die Figurenmalerei bekannt sind, sind Peter Paul Rubens, Edgar Degas und Édouard Manet.

Illustrationsmalerei

Two LoversDie Illustrations-Gemälde sind diejenigen, die als Illustrationen in Büchern, Zeitschriften, Theater oder als Film-Plakate und in Comic-Büchern verarbeitet werden. Heute gibt es ein wachsendes Interesse von Sammlern und Bewunderern dieser originellen Kunstwerke. Verschiedene Ausstellungen im Museen, Zeitschriften und Galerien haben den Illustratoren der Vergangenheit ihren Raum reserviert. In der bildenden Kunst wurde die Bedeutung der Illustratoren weltweit manchmal im Vergleich mit den bildenden Künstlern und  Grafik-Designern geringer geschätzt. Aber als Ergebnis des Wachstums im Bereich der Computerspiele und der Comic-Industrie, wurden Illustrationen immer beliebter als profitable Kunstwerke, die einen größeren Markt eroberten, als die beiden anderen, insbesondere in Korea, Japan, Hongkong und den USA.

Landschaftsmalerei

Andreas AchenbachMit der Landschaftsmalerei ist ein Begriff abdeckt, der die Darstellung der natürlichen Landschaft wie Berge, Täler, Bäume, Flüsse und Wälder, umfasst, dessen Hauptthema die Weitsicht-Technik ist, wo die Elemente in einer kohärenten Zusammensetzung angeordnet sind. In anderen Werken bilden Landschaftshintergründe für die Figuren-Malerei immer noch einen wichtigen Bestandteil der Arbeiten. Der Himmel ist fast immer Teil der Ansicht und das Wetter ist oft ein Element in der Zusammensetzung. Detaillierte Landschaften als eigenständige Titel sind nicht in allen künstlerischen Traditionen zu finden und entwickeln sich meist erst, wenn es schon eine anspruchsvolle Tradition in anderen Fächern gibt. Die beiden wichtigsten Traditionen entspringen aus der abendländischen Malerei und der chinesischen Kunst und reichen in beiden Fällen über tausend Jahre zurück.

Porträtmalerei

Die Porträtmalerei ist die Darstellung einer Person, bei der das Gesicht und dessen Ausdruck im Vordergrund stehen. Die Absicht ist, die Ähnlichkeit und Persönlichkeit und auch die Stimmung der Person wiederzugeben. Die Kunst der Porträtmalerei blühte im antiken Griechenland und besonders auch in den römischen Skulpturen, wo die Senatoren individuelle und realistische Porträts forderten, auch wenn diese wenig schmeichelhaft waren. Eines der bekanntesten Porträts in der westlichen Welt ist das Gemälde von Leonardo da Vinci mit dem Titel Mona Lisa, das Gemälde einer unbekannten Frau.

Stillleben

Ein Stillleben ist das Werk einer Kunstrichtung, die meist unbelebte Gegenstände abbildet, üblicherweise banale Gegenstände, die entweder natürlichen Ursprungs sind (Lebensmittel, Blumen, Pflanzen, Felsen oder Schalen) oder von Menschen gemacht sind (Trinkgläser, Bücher, Vasen, Schmuck, Münzen, Rohre usw.). Mit ihrem Ursprung im Mittelalter und der Antike der griechischen/römischen Kunst geben Stillleben dem Künstler mehr Spielraum bei der Anordnung der Design-Elemente innerhalb einer Komposition, als es bei Gemälden in anderen Kunstrichtungen, wie es bei der Landschafts- oder Porträtmalerei, der Fall ist. Stillleben, insbesondere vor 1700, enthielten oft eine religiöse und allegorische Symbolik im Zusammenhang mit den dargestellten Objekten. Manche moderne Stillleben brechen eine zweidimensionale Barriere und beschäftigen sich mit dreidimensionalen gemischten Medien und verwenden gefundene Objekte, Fotografie, Computergrafik sowie auch Video und Ton.

Veduta

EineVeduta ist ein sehr detailliertes, meist großformatiges Gemälde einer Stadtlandschaft oder einer anderen Ansicht. Dieses Genre der Landschaftsmalerei entstand in Flandern, wo Künstler wie Paul Brill schon früh im 16. Jahrhundert Veduten malten. Als das Programm der  Grand Tour etwas standardisiert wurde, erinnerten die Veduten von vertrauten Szenen wie dem Forum Romanum oder dem Canale Grande an frühe Unternehmungen der adligen Engländer auf dem Kontinent. Im späteren 19. Jahrhundert ersetzten persönliche „Impressionen” von Stadtlandschaften den Wunsch nach topographischer Genauigkeit, die anstelle von gemalten Panoramen genügte.